PONENTES 2024

Alejandra Oviedo. Nació en Bogotá, Colombia. Es artista visual, su trabajo se enfoca en dibujar y bordar historias de su vida cotidiana, lugares, objetos y personas.  Se ha sentido muy influenciada por la cultura de su país, por sus colores, texturas, música, comida y gente. El bordado le ha dado mucho, le enseñó a tener paciencia, a poder expresarse con hilos, a conocer gente nueva, a meditar y a dedicar tiempo a cuidar y descubrir su interior.

Es profesora de ilustración y bordado en Casatinta, y experimenta con materiales más allá del hilo, como el papel o el metal. También le gusta dibujar en la arena y después borrarlo con los pies.
 

Andrea Ganuza, (Pamplona, 1988) Su práctica artística se centra en la narración gráfica y el dibujo, experimentando con la expansión de los límites del lenguaje del cómic y entendiéndolo como una disciplina del arte contemporáneo. Con un lenguaje cercano a la poesía y un humor afilado, utiliza sus propias experiencias para poner atención en los ejes que nos atraviesan: lo social, lo político y lo emocional. Partiendo de la premisa de que el dibujo es un lenguaje y por lo tanto está influenciado por el contexto, Andrea busca continuamente diferentes formas de entender el mundo. Esta curiosidad la ha llevado a viajar por todo el globo, gracias a becas y residencias artísticas.  Algunos de los lugares que han configurado sus formas de hacer son Barcelona, Bilbao, Bristol, Angoulême, Quebec, São Paulo y Medellín, donde transcurre “Atrviésame”, su primera novela gráfica autoditada en 2023.

Su formación y trabajo se desarrolla dentro y fuera de la Academia, alternando su participación y docencia en espacios oficiales y festivales relacionados con la contracultura, la gráfica, el fanzine y el DIY.  Sus dibujos han sido expuestos en espacios como Museo Reina Sofía, CentroCentro o La Parcería (Madrid), Fundación Suñol, Galería Policroma (Barcelona), Azkuna Zentroa (Bilbao) y pueden encontrarse en la colección del Museo de Navarra. Además de su práctica artística individual, ha iniciado y participado en numerosos proyectos colectivos como el espacio independiente La Zurda, PUMPK Festival de Autoedición de Pamplona/Iruña, el colectivo feminista NENAZAS o Tormenta en Medellín (Colombia). Actualmente vive y trabaja en Pamplona.
 

Araiz Mesanza (b.1983) es una ilustradora vasca que vive y trabaja en Oslo, Noruega. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Vasca (Bilbao, España) y se especializó en Ilustración en la Escola Massana (Barcelona, España). Recientemente ha cursado un máster en Diseño Gráfico e Ilustración en la Academia Nacional de las Artes de Oslo (Oslo, Noruega). Mesanza trabaja como ilustradora freelance, con libros infantiles, ilustración editorial, cómics y tiene especial interés por la autoedición y los impresos. El año pasado fundó Toki Press, un espacio para experimentar con la autoedición, con los límites entre libros e impresiones, qué define qué y hasta dónde puede traspasar esos límites. Un lugar para explorar cómics, narrativas, diseño y formatos, limitado únicamente por su propia experiencia.

Alejandro Moreno Marín estudió diseño industrial y se especializó en fotografía en la Universidad Nacional de Colombia (2016). Ha editado libros, confeccionado ropa, diseñado objetos y pintado calles. Todo lo que ha ocupado su tiempo gira en torno a las posibilidades narrativas de la imagen y la exploración de medios y materiales. Ha participado en exposiciones colectivas en Bogotá y Londres (2016, 2019, 2020, 2021, 2023 y 2024) y en exposiciones individuales en Bogotá y Medellín (2023). Su obra fotográfica ha sido reseñada en publicaciones editoriales como el Photographic Museum of Humanity (2019), Revue 6 mois (Francia, 2021) y Yogurt Magazine (Italia, 2020, 2021).

Su quehacer artístico en la actualidad consiste en la creación de obras a partir de materiales textiles. Gracias a su trabajo en la edición de fotolibros, desarrolló un interés especial por las narrativas que se pueden construir mediante la interacción entre las imágenes y el material que las soporta. Aunque el proceso de conceptualización y los métodos de bocetación que emplea tienen mucho en común con prácticas artísticas tradicionales, como el dibujo o la pintura, el uso de técnicas como el bordado, el tejido y el patchwork implica posibilidades específicas determinadas por el material. Transitar de las fibras del papel a las fibras del textil significa estar dispuesto a la sorpresa, ya que la naturaleza misma de los textiles condiciona y determina las características de la imagen.
Su obra se nutre de su experiencia sensible; no busca acontecimientos o asuntos sobresalientes, sino más bien indagar sobre lo extraordinario de lo cotidiano.

Entre los temas que le interesan se encuentran la iconografía religiosa, la cultura material y la producción gráfica popular. Encuentra en los materiales y técnicas de uso cotidiano un importante insumo para la creación de sus obras, buscando resignificar su valor artístico y proponer nuevas formas de aplicación e interacción con ellos. Al emplear técnicas tradicionalmente asociadas con el hogar, como el bordado y el tejido, pretende expandir las narrativas convencionales sobre estos métodos.

Bea Lema es ilustradora y autora de cómic. Emplea el bordado y el tejido como soporte para trasladar sus imágenes. Su trabajo, generalmente de corte autobiográfico, trata temas relacionados con la locura, el trauma, las relaciones familiares, la religión y los ritos populares
En 2018 publicó “O Corpo de Cristo”, obra que obtuvo el XII Premio Castelao de la Diputación de A Coruña. Su último libro “El Cuerpo de Cristo” (Ed. Astiberri, 2023), basado en la edición anterior, se ha editado en Francia e Italia y será publicado en Portugal en 2024. El proyecto fue becado para realizar la residencia de novela gráfica en la Maison des Auteurs en 2022 gracias a Acción Cultural Española (AC/E) y la Cité internationale de la bande dessinée et de l’image, con la colaboración de la Embajada de Francia en España. En 2024 recibe el “Premio del público – France TV” por esta obra, en el festival de cómic de Angoulême, evento referente a nivel mundial.
 

Elizabeth Builes nació en Medellín. Se ha dedicado a explorar la naturaleza desde la narración visual. En 2013, ganó el Premio Tragaluz de Ilustración y gracias a este reconocimiento participó en el libro ‘Johnny y el mar’, de la escritora Melba Escobar, que fue incluido en la Biblioteca Juvenil Internacional de Múnich, Alemania. Ha publicado en varias editoriales de Colombia y América Latina. Sus asistentas, Piñata y Carambolo, la acompañan en las largas jornadas de dibujo y la reciben cuando llega de correr.

Martín Ramón es el director de Espacio Moebius y en el pasado a su vez de Moebius Liceo, editorial y galería de historieta y dibujo. Desde sus inicios en el año 2007, se ha convertido en un referente del sector gracias a su trabajo con artistas como Liniers, Isol, Carlos Nine, José Muñoz, Martín Pérez, María Luque, Gustavo Sala y Lucas Varela, entre otros. Han publicado trabajos como la revista ‘Chikismiqui’ sobre el talento de jóvenes artistas mujeres de todo el mundo o la antología de temática LGTBIQ+ ‘Ábreme’, o fanzines impresos por ellos mismos de autoras como Powerpaola. 

Además de haber sido el organizador de las Jornadas de Historietas en la Universidad de Palermo desde 2014 a 2018, fue también curador La Revistería Cómics desde 2017 a 2019, recibiendo el premio Eisner a la mejor comiquería del mundo en San Diego Comic-con en 2019. A su vez es fundador y coordinador de proyectos como Tren Moebia y Radio Moebia, que combinan en la actualidad con su labor editorial y expositiva.
 

Fundada por Rina Zavagli, la Galerie Martel nació en 2008 con el deseo de apoyar a artistas que comparten la misma ambición: explorar nuevos territorios y romper las fronteras que separan los distintos modos de expresión (ilustración, pintura, cómic, animación...). Es una de las primeras galerías en afirmar la importancia del cómic y promoverlo en sus exposiciones como una forma artística de pleno derecho.

Preocupada por representar la riqueza y diversidad de las artes gráficas, la Galería Martel ha apoyado a artistas de renombre internacional como Art Spiegelman, Robert Crumb y Lorenzo Mattotti. Sin embargo, también se ha centrado en dar cabida a creadores de toda condición. Al destacar las obras de pioneros como Dominique Goblet, Anke Feuchtenberger o Nina Bunjevac, así como de talentos emergentes como Emil Ferris, Brecht Evens y Yann Kebbi, la galería se esfuerza por cubrir un amplio espectro estilístico y narrativo. Estas múltiples colaboraciones le han permitido desarrollar una identidad única al tiempo que refuerzan la continuidad de las artes gráficas participando en la creación de un nuevo horizonte, libre de toda compartimentación.
Desde su creación, la galería ha participado en importantes ferias de arte como Drawing Now y Art Paris en Francia. Ha conseguido estimular la creatividad de sus artistas dándoles la oportunidad de renovar sus propuestas.

A lo largo de los años, la Galerie Martel ha colaborado en proyectos desarrollados por museos internacionales como el Centre Pompidou (Francia), la Bibliothèque nationale de France, el Museo Santa Giulia di Brescia, el Palazzo Blue (Italia) y el Cartoon Museum Basel (Suiza); así como con diversas instituciones: Fondation Cartier pour l'art contemporain, la Bibliothèque publique d'information, la Cité internationale de la bande dessinée et de l'image d'Angoulême, y la Fondation Louis Vuitton. Con una identidad cada vez más fuerte en el ámbito del dibujo contemporáneo, la galería inaugurará un nuevo espacio de exposición en septiembre de 2024 en Bruselas, gran capital del arte contemporáneo.